中西绘画相互影响

绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律.然而其作为视觉艺术，是通过一定的色彩、线条、形状，构成异常精确具体而又个性化的图景，以传达审美经验供人感受的艺术。
古今中外的艺术总是产生于特定的文化意识土壤.无论中国还是西方的绘画艺术起点都是相同的,都是从原始感性主观意识开始的.然而随着社会的变化,文明的进步以及文化、政治、宗教风俗等方面出现的差异,中西方绘画逐渐形成了各自的风格与理念,影响中西方绘画艺术发展的根本原因是文化基础、哲学的理念、美学思想等.
首先从哲学层面上来讲，中国人看重的是实用，重视的是人与人之间的关系，人与社会之间的关系。所以中国哲学偏重伦理道德。这是中国人规范人际交往的途径。而西方哲学大体来说探求的是事物的根本，重视的是灵魂，所以宗教占有重要的地位。尽管中国有道家。但是绝对不像儒家一样是主流；中国也有宗教，有信教之人，但是往往宗教是为人而服务的，基于这一点，人们才去信。所以哲学基础反映到绘画艺术的表现上，可以发现，中国古代文人墨客的绘画，多以修身养性为目的，所作题材又以山水、花鸟为多。自成一系的“文人画”.主要是封建社会的文人、士大夫们的作品，他们虽然身处现实社会，重视的是“儒”。但是一般都回避社会现实，寄情山水，所突现的是所谓的个人之气，而这就又有了“道”的心态。所以封建社会的知识分子，为官之时必须贯彻儒家君君臣臣的思想，一旦出世，便又是道家的理念了。另外，也许由于秦时“文字狱”的影响，文人绝大多数不敢拿现实入题，为排遣心绪，只得回归自然。而西方画的表现更为直接，更赋予冲击力。以文艺复兴为界，之前是以神为中心的封建意识形态，之后是建立以人为中心的资产阶级新思想新文化，其思想核心是“人文主义”：以人性与人权来颠覆禁欲和神权。整个西方艺术史都离不开宗教，离不开人与神。他们的神也有人性，也有善与恶。我们可以从西方艺术发展过程的脉络中清晰地发现社会历史的变迁和人性的展现。
就“观念”来说,中国人向来感性，向来善于寄托情怀，中国画是按照中国人特有的表现形态发展而来的。中国古人写诗大都抒发感受情趣，文化系统也离不开情感，很少有物质独立的东西，比如说表现一条河一丛花草一只动物都会有意无意中透漏出人的情怀，一幅中国画里面贯穿的始终是发自人内心的感受，强调物便是人人便是物，非常注重对生活的描绘，一座青山一顶茅屋若隐若现在万树丛林之中就是一种烟火不食的境界，他们认为生活是什么样子，画面就应该从属什么意境。而西画的观念总是脱离不了“科学”，理智的思维表现出同样理智清晰的画面，它们无须着重反映人的情感，房子就是房子,关乎的是建筑方面的知识;人就是人,强调解剖看重形体关心一些可能存在的物理变化，他们始终把自然科学摆在首位。这种观念上的差异长此以往影响着中西绘画的总体。
从中西观念上虽然谈已经涉及到了“意境”和“趣味”的问题，但是从他们的表现形式来看，中国画偏重“写意”(线+色+白+散点透视.即：非现实+半现实+非现实十半现实的表现艺术).西方的趣味在于“写实”(面+色+光+焦点透视.即：现实+现实十现实+现实是基于科学的再现艺术)中国画把意境作为第一位,画面上呈现的不是一部分物质而是整个人性化的意境。是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式，所以在中国从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，这就是中国人天然地有电影的思维、运动的视觉形象，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。而西方绘画艺术认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。
其次着重点不同，表现方式也不相同。中国画着重于把结构形态和神韵合而为一.以上说国画注重表意，并不是说国画的表现就不重视对造型的把握，而是在国画的创作过程中貌似简单的线条描绘已经包含了形体的精准，一幅好的作品永远是在造型完整的前提下才能充分的表现出其情感的。貌似简单的国画，每一次运笔都是历经日积月累才能体现出其如生的一面。我国有作为的国画大师无一不是在刻苦磨练中锤炼自己准确的造型能力然后才能游刃有余的驾驭画笔从而才能创造出一批又一批生动美妙的画。所以说结构与神韵的完美结合对国画创作尤为重要，表现方法主要依线条为主，一条线包含了结构造型囊括了所有情感。而一幅好的西画首先具备的是“真理”，更偏重于对内在结构的描绘强调客观现象。他们看重素描关系，立体效果，明暗调子，注重用点,线,面相结合的原理来描述对象和营造气氛，一幅好的素描里必然出现鲜明的调子充足的结构关系。从古典画派的经典之一安格尔的绘画中就能看出着一点，他的油画把素描关系放在第一，充分的利用点线面的相互结合来塑造画面来驾驭色彩。还有德国画家德加的素描，看过荷尔拜因的素描的人无一不为他对人的造型精准而折服，但看德家的素描却常常被他用明暗用明确简单的素描关系所营造的气氛所感染，我们会不经意的感受到画面的真挚与诚恳。
在空间的表现上，中西两方也存在着分歧。我们在前几个方面都不同程度的说国画注重意境，其实国画之所以给人强烈的意境效果还有个空间分布上的原因，国画上的树是成片的，山是成群的，主要用分散的视点来塑造画面空间。这样的分散能形成一种气氛，放眼看去就是一片气息，没有过分强调某个个体，而是着重去强调群体带来的视觉效果。让人感觉到树不仅仅只是是树而是处在被树环绕的一息境界之中，着种境界中有大气，有飞禽走兽，有大地万物，有无声无息正在繁衍着的生命。国画用分散的眼光看世界，看到的不是一花一木的繁荣而是一种生态一种世故人情的风情万种.这些是缘于中国画艺术本原基于哲理之故。而西方绘画拿集中的眼光看事物，他们有他们准确的焦点，有明确的定点，他们会合理的安排光线来自何方，和国画恰恰相反他们尊崇自然，画面事物有主次之分，相对国画而言更为直接和理智，西画研究焦点有让事物更为清晰更为真实可信的目的，他们会为一个局部费上很大一趁功夫，会把一个事物完整的描述出来，服从来源于大自然的一切实物。
其实不管从各自观念各自趣味意境还各自特有的表现手法和不同的空间关系上来说这些分歧都是作为在同一种艺术范畴之内必然要存在的一些各自的特点，就像我们都从属于人类但各自都有特征是一样的道理。不管是在中国还是在西方，绘画在热爱绘画的人们心中的地位是一样的。它所具有的伟大禀性不分地域种族不分贫富贵贱。它就如同普天之下热爱绘画的同仁唯一共享和热爱的一片天空。再者,随着科技的进步，地球空间的缩小，中西绘画也在相互影响，相互吸纳。走融合之路，是中西绘画艺术发展的共同规律。我们研究他们的不同是为了更好的认识和驾驭，以此来增强我们对绘画的理解，以此来缩短我们与人类文化的距离。

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